Fanette Art

Pour les visiteurs/for the visitors

2010-12-31T23:40:00.000+01:00

Bienvenu sur mon blog.
Je l'ai créé pour montrer mes peintures. Pour voir une photo plus grande, cliquez dessus.
Si vous voulez poster un message, sachez que j'accepte toutes les critiques, bonnes ou mauvaises, dans les limites de la correction.
En ce qui concerne les images de mes peintures, vous pouvez les télécharger sur votre ordinateur, les envoyer à un ami, les imprimer, etc... Mais vous ne pouvez pas les poster sur un site web ou un forum sans mon accord. Vous ne pouvez pas non plus les utiliser à des fins publicitaires, mettre votre marque dessus, ou les modifier sans mon accord préalable. Ces images sont ma propriété et à ce titre portent mes initiales.
Pour des raisons de droits sur la propriété intellectuelle, les portraits ne sont pas à vendre. Mais d' autres tableaux sont en vente. Si vous êtes interressés, contactez-moi par mail afin de prendre rendez-vous avec moi pour voir mes travaux de visu. Vous pourrez mieux vous rendre compte de ce que vous voyez. L'image virtuelle est une chose, la réalité en est une autre.
Bonne visite.

Welcome on my blog.
I created it to show my paint. If you want to see a larger picture, click on.
If you want to post a message, I accept all the opinions, good or bad, only if it is polite.
About my paints, you can put them on your pc, send them to a friend, print them, etc...
But you can't post them on a web site or a forum without my agreement. You can't use them for advertising, put your mark on, or modify them without my agreement. These pictures are my property and are marked with my initials.
Because of the french law about the image rights, the portraits are not for sale. But other paints are for sale. If you are interested, contact me by mail for having a rendez-vous to see my works in real. You could have an exact idea of that you're seeing. Virtual picture is a thing, reality is other thing.
Have a good time.

De retour. Encore !!!

2010-11-27T21:59:00.003+01:00

Bonjour à tous. Je ne vais pas vous refaire le coup du retour. Disons que parfois ( souvent ) les soucis vous submergent et l'on ne peux pas toujours faire ce qu'on veut. Voici encore quelques dessins de la série crayons multicouleurs.

Vieillerie !

2010-05-28T10:47:00.004+02:00

Quand ce "vieux" pote m'a retrouvé et m'en a parlé, j'ai fouiné dans mes archives et rouvert de très anciens carnets, 25 ans et plus pour finir par retrouver ce croquis de lui. Ca doit dater de 87, je crois. J' avais fini par totalement oublier ça. Il est pas trop mal. Je dois dire que j'ai fait pire, mais ceux-là, je ne vous les montrerai pas. Croquis à la sanguine.

Hé copain, tu te reconnais ?

De retour 2 et en attendant.

2010-05-16T20:51:00.004+02:00

Toujours dans la même série des petits formats en crayon multicouleurs, stylo à bille et feutre fin. Je pioche dans ma banque d'image en attendant de pouvoir récupérer mon appareil photo que j'ai oublié sur mon lieu de vacances ( plus tête en l'air que moi...). Il contient de nouvelles photos de travaux de Mado que je ne connaissais pas. Mais il faudra attendre au moins la semaine prochaine.

De retour !!!

2010-05-13T23:43:00.003+02:00

Eh bien me revoilà après, heu, ...mois d'absence virtuelle, le dernier message datant de...heu...

Bon. Il y a eu des soucis familiaux qui m'ont bien occupé. Mais ça va mieux maintenant. Il a tout de même fallut laisser de côté certaines choses; mon blog, mes recherches sur ma grand-mère. Mais pas ma peinture quand même. J'ai réussi à préserver ça. Lorsque j'aurai un appareil photo convenable, je pourrai poster de bonnes photos de mes peintures. Car j'en ai fait une bonne quantité. Des portraits essentiellement et quelques paysages et natures mortes. Il y aura aussi quelques pastels et aquarelles.

Pour redémarrer, j'ai posté une petite série de mes dessins aux crayons multicouleurs. Comme j'en ai fait un certain nombre, j'ai de quoi.

C'est du crayon multicouleurs, du stylo à bille et du feutre fin.

En espérant que l'avenir me laissera un peu plus tranquille.

Bien à vous.

Photo mystère-mystery pic

2009-09-20T22:00:00.001+02:00

Ce dessin au fusain ne semble pas être un travail de Mado. Il est signé Luce en bas à droite. Après une recherche sur le net, Je suis tombé sur le peintre Maximilien Luce. Et je trouve que sa signature ressemble étrangement à celle du dessin.

Alors ? Est-ce le cliché d'un original égaré dans les archives de Mado ? Est-ce une copie d'une oeuvre de Luce dessinée par elle ( mais la signature )? Est-ce un/une artiste inconnu ( e ) au bataillon ? Mado a-t-elle possédé l'original et dans ce cas qu'est il devenu ?

Je ne me souviens pas avoir jamais vu cette oeuvre chez nous, pas plus que mon père d'ailleurs.

Si quelqu'un en sait plus sur ce dessin, qu'il me contacte. Je suis preneuse de tout renseignements. Merci.

This charcoal draw doesn't seem to be a Mado's work. It is signed Luce at the down right corner. After a search on the net, I found the painter Maximilian Luce. And I found that his signature strangely seems like the one of the draw.

So ? Is it a photo of an original lost in the Mado's archives ? Is it A Luce's copy by her ( but the signature )? Is it an unknown artist ? Mado has had the original and in this case, where is it ?

I don't remember to have never seen that work at my parent's home, no more my father.

If someone knows more about it, he can contact me. I would like to know more about this draw. Thank you.

Madeleine ( Mado ) Hugues-Bonté:Rocchetta-Nervina, clichés et originaux

2009-09-14T22:54:00.005+02:00

Mado a voyagé quelquefois. Je l'ai dit dans un précédent post. Parmi ses voyages, elle est allé en Italie à Rocchetta-Nervina, très beau village italien haut perché. Elle en a ramené une série de tableaux et de dessins qui ont été exposés. Il nous en reste un certain nombre, uniquement des huiles. J'ai mis ensemble des clichés noir et blancs et des photos couleurs de ce qui nous reste. Donc vous pouvez voir deux versions du même tableau, en noir et blanc et en couleur. Essayez de les reconnaître. Le noir et blanc donne une vision très différente du même sujet.

Ceci me permet aussi de commencer à poster des photos de ce que nous avons toujours.

Mado made any travels sometimes. I said that in a last post. One of those was in Italy at Rocchetta-Nervina, a very beautiful italian mountain village. She made a serie of oil paint and draws which were exhibited. We have actually only oil paints. I post together black and white and colour pics of what we still have. So you can see two versions of the same work, black and white photo and colour pic. Try to recognize them. Black and white give a very different vision of the same subject. It is also the occasion to begin to post photos of we still have.

Madeleine ( Mado ) Hugues-Bonté: clichés des fusains, craies, crayons

2009-09-14T00:07:00.005+02:00

voici les clichés des crayons, craies, fusains. Je ne suis pas certaine du médium utilisé sur certaines oeuvres, du fusain ou de la craie noire.

Elle abordait tout les sujets. Nus, portraits, paysages...

On sent qu'elle dessinait avec une grande liberté tout en restant assez classique.

J'aime particulièrement sa fillette assise sur un banc. Tellement vraie avec son air timide et renfrogné.

Charcoals, chalks, pencils pictures. I'm not sure of what it is used on some works, charcoals or black chalk.

She drew all subjects: nudes, portraits, landscapes...

She drew with free and being classic.

I particularly like her little girl on a bench. So true with her shy and scowling look.

Madeleine ( Mado ) Hugues-Bonté: les arbres, encres, fusains, craie noire

2009-09-12T21:18:00.005+02:00

Et voici sa série des arbres. Mado les aimait énormément. Elle les considérait comme des personnes.

Elle dessinait particulièrement ceux des bords de Loire ( évidemment ).

Sa série a fait l'objet d'une exposition qu'elle avait intitulé:"La personnalité des arbres" ( si j'ai bien compris parce que ses archives de presse ne me semblent pas très précises et je n'ai pas encore eu le temps d'y mettre mon nez plus sérieusement ).

Le premier dessin est un original que j'ai ajouté aux clichés pour complêter la série. C'est le seul qui nous reste. Les autres ont sans doute été vendus ce qui montre le succès de ses dessins.

Et je me demandais pourquoi j'aime tant dessiner les arbres moi aussi !

Here is her trees serie.

Mado loves them very much. She considered them as persons.

She particularly drew ones of the Loire sides.

She made an exhibition with her trees works: "La personnalité des arbres" ( personality of trees ) ( if i understand well cause her press archives don't seem to me very precise and I've not yet had the time to examine them ).

The first pic is an original draw that I add to complete the serie. It's the only one that we still have. The others was certainly sold. No doubt that her exhibition was a success.

And I wondered why I so much like to draw trees too !

Madeleine ( Mado ) Hugues-Bonté: photos des encres 2

2009-09-11T22:02:00.003+02:00

Voilà la suite des encres et aquarelles. L'une d'elles, la "Vieille femme sous la pluie" est notée au verso:"vendu à Michelon en 1928". Si les descendants se reconnaissent, qu'ils n'hésitent pas à me contacter. Il semble qu'elle ai fait quelques voyages. Un en Italie dont je suis certaine et qui fera l'objet d'un post particulier. Sans doute le sud de la France, peut-être quelques lieux comme Vannes ou la Belgique. Mais elle avait une prédilection pour l'Anjou, les bords de Loire. Elle y séjournait souvent dans la vieille maison de campagne. Sur certaines peintures, j'ai pu reconnaitre aisément les lieux ou les coins de la maison, des objets qui nous servent encore...

Dans le prochain post, nous verrons sa prédilection pour les arbres.

Next of inks and watercolours. One of them, "vieille femme sous la pluie" ( old woman under the rain ) is written on the back "sale to Michelon in 1928" ( translate from the french ). If the descendants recognize themselves, don't hesitate to contact me. It seems that she travelled sometimes. One in Italy that I'm sure of it ( a special post will be made about it ). Maybe south of France, some place like Vannes ( a french town ) or Belgium. But she had a special liking for Anjou ( french area ), the Loire sides. She stayed often in the old country house. On some artworks, I can recognize places, spots, corners, any objects that we sill use...

In the following post, I will show her passion for trees.

Madeleine ( Mado ) Hugues-Bonté: photos des encres 1

2009-09-10T23:19:00.003+02:00

l'encre, Mado l'a beaucoup travaillé. Et ça a du plaire à sa clientèle parce qu'il ne nous reste que très peu d'originaux. D'ailleurs, certains clichés portent la note "vendu" au verso et même le nom de l'acheteur sur l'un d'eux. En fait, nous avons plus de photos que de dessins. Mais je n'ai pas fini de fouiner dans la table à dessin de mon père. Peut-être vais-je faire de nouvelles découvertes.

Tout ça est très excitant.

Ink. Mado made many draws with it. Maybe her customers like them because we have a very little number of originals. Some pics are written "sale" at their back and even the buyer's name on one. In fact, we have more photos than draws. But I have not totally search in my father's draw table. Maybe I will discover new things. It's very exciting.

Madeleine ( Mado ) Hugues-Bonté, huiles en clichés ( suite ).

2009-09-09T22:13:00.006+02:00

Deuxième post pour les clichés des huiles de Mado que nous n'avons plus. Deux clichés couleur entre les noirs et blancs. A cette époque ( avant 69 ) ça devait couter cher de développer en couleur. C'est sans doute pour ça que nous n'avons que du noir et blanc hormis ces deux-là. Et puis c'était de l'argentique.

La plupart des clichés sont excellents car pris par un professionnel. Rien à voir avec ce que vous pouvez voir. J'ai photographié les clichés moi-même avec mon pauvre petit appareil de seulement 5 millions de pixels. C'est beaucoup moins de qualité mais j'ai fait de mon mieux.

Vous pouvez voir qu'elle était résolument figurative. Pas une once d'abstrait dans sa peinture. Elle avait l'esprit assez classique.

Certaines photos comportent des annotations comme un numéro ( pour une expo je suppose ), une date.

Au prochain post, je montrerai des photos d'oeuvres à l'encre. Il y en a aussi une certaine quantité.

2nd post for the oil paint that we have not yet. 2 colours photos in the black and white pics. At this time ( before 69 ), it was expensive to make photos in colours. It's certainly for this reason that we have only black and white pics expept these both. And it was not yet numeric photo.

Most of the photos are excellents because it was taken by a professionnal photographer. Nothing to see with that I show you. I took photos by myself with a pretty bad camera ( only 5 ml pix ). It's less quality but I did the best I can.

You can see that Mado was only figurative. Absolutely not abstract in her art. She had a pretty classic spirit.

Some pics havent a number at the back ( for an exhibition I suppose ) or a date.

At the next post, I will show ink artworks photos. There are many .

Madeleine ( Mado ) Hugues-Bonté, clichés noir et blancs.

2009-09-07T22:00:00.004+02:00

Ce post commence une sous-série sur des traveaux de Mado que nous ne possédons plus sauf ces clichés noir et blanc. Pour commencer, les peintures à l'huile.

Ce post est aussi une annonce pour savoir si il y a des personnes qui possèdent une, des oeuvres d'elle. Si c'est le cas, contactez-moi, envoyez-moi un cliché couleur de l'oeuvre que vous possédez. Si c'est possible, nous pouvons aussi nous rencontrer.

J'en profite pour dire à M. Picard que j'ai bien reçu son message mais que l'ayant supprimé par erreur ( honte sur moi ), il peut me recontacter à la même adresse et m'envoyer un cliché couleur de l'oeuvre qu'il possède.

Pour finir,voici une bio succinte de ma grand-mère.

This post begin a little serie about my grandma's artworks which are not in our possession. Sold or donate. For beginning, here are the oil paints.

And a little biography in french.

Née à Aurignac ( Haute-Garonne ) le 5 novembre 1894.

Peintre figuratif: paysages, portraits, natures mortes.
Peinture à l’huile, encre de chine, un peu d’aquarelle, pastels, craie noire, fusain, crayon…

Elève de Jules Adler, François de Montholon, Joseph Berges, Henry Othman.

Se marie le 7 mars 1936 avec Marc Bonté.

Son fils, Jean-François, naît le 23 août 1938.

Participation aux salons des Indépendants, des intellectuels de Paris et province, de l’Ecole Française, de l’Atelier de l’Île de France, Berruyer de Bourges, des artistes orléanais. Egalement au festival international de peinture et d’art graphico-plastique de Saint-germain-des-Prés.

Expositions aux galeries Escales, Bénézit, Lettres et Art, Cambaceres, Hier et Demain, Montparnasse, Foyer des Artistes de Montparnasse, et Marcel Bernheim à Paris. Etait exposée en permanence aux galeries Lucie Grogh et Montparnasse.
En couronnement de sa carrière artistique, fut promue Officier d’Arts-Sciences-Lettres, médaille d’argent de Vincennes, médaille de bronze de Nogent.

Décède en 1969 à l’âge de 74 ans.

Madeleine ( Mado ) Hugues-Bonté ( Hérédité 2 )

2009-09-07T21:08:00.006+02:00

ICI débute une série de posts sur mon aïeule, Mado Hugues-Bonté ( de son nom d'artiste ). Elle était artiste peintre. Les posts à venir seront consacrés à ses oeuvres. Commençons par une série dans la continuité du post intitulé "Hérédité" qui montre quelques dessins de ma grand tante Jeannette et de mon grand père Marc. Ce sont des dessins dont je ne suis pas sur de quel membre de la famille les a dessiné, de ma grand mère, de mon grand père ou de ma tante. Mon père n'a pas pu m'éclairer plus sur le sujet.

Here begin a new posts series about my grand mother, Mado Hugues-Bonté ( artist name ). She was a painter. The coming posts will be about her artworks. I begin by a some draws in the continuity of the post named "Hérédité" which show some draws of my grand aunt Jeannette and my grandfather Marc. I'm not sure of what member of the family have drawn them, my grandma, grandpa or grand aunt. My father don't know more about it.

Zadkine sur papier/on paper

2009-07-31T22:04:00.003+02:00

L’Œuvre sur papier d’Ossip Zadkine est exposée au musée du même nom.

C’est l’un de ces petits musées dont Paris à le secret. L’ancienne maison de l’artiste avec son petit jardin, bien caché dans une rue. Attention à ne pas rater l’entrée du musée. Des bronzes décorent le jardinet. C’est calme et tranquille. Le personnel est affable et l’entrée n’est vraiment pas chère. Le seul regret que j’ai est que les salles sont très petites ( on s’y gène parfois ) et qu’on ne peut pas tourner autour des sculptures. Mais bon, au départ, ce n’était pas prévu pour être un musée. En dehors des expos temporaires l’entrée est gratuite.

C’est une occasion rare qui nous est donné de pouvoir admirer les dessins de Zadkine. Et ceci toujours pour la même raison: la fragilité des œuvres.

Zadkine est moins connu que ses pairs les plus célèbres ( Picasso pour ne pas le nommer ), mais son travail n’en est pas moins intéressant et important dans l‘histoire de l‘art. Son œuvre sur papier vient en parallèle de son œuvre sculptée et n’est pas seulement un travail de préparation de ses sculptures.

Il nous est montré des compositions de paysages avec ou sans personnages, inspirés de l’antique, du cirque, des portraits, ou plutôt des visages, des projets de sculptures…
Ces dessins sont peints à la gouache, à l’aquarelle, ou dessinés à la plume et à l’encre, au graphite.
Ils ont leur vie propre, bien avant d’être des projets ( d’ailleurs, ils ne le sont pas toujours ).

J’ai aimé la simplicité de l’exécution des dessins, sa façon originale de se servir de la gouache. Ses œuvres sont pleines d’émotion mais sa manière n’empêche pas qu’un certain mystère se dégage de ses œuvres. Une grande pudeur aussi puisque le sexe est soigneusement effacé sur un de ses nus. Cet homme ne nous dit pas tout. Et c’est mieux ainsi. Cela rend ses œuvres plus attirantes.

Courez voir ce poète de la plume et de la gouache. C’est jusqu’au 6 septembre.

Crayon et stylo à bille couleur.

The Ossip Zadkine artworks on paper are exhibited in the same name museum. Inks, temperas, pencil, very simple, poetic and mysterious.
Pencil and coloured ballpen.

His website.

Quand les enfants se prennent pour les grands peintres.

2009-07-29T01:11:00.003+02:00

A partir d'un modèle simple, dont les références se trouvent chez Marquet, Monet, etc, Voici comment les enfants se l'approprient et l'interprètent avec leur personalité même avec des consignes précises, c'est à dire un champ d'action limité.

Henri Gaudier-Bzreska à/at Beaubourg

2009-07-29T00:23:00.006+02:00

Les galeries permanentes de Beaubourg exposent Henri Gaudier-Brzeska.

Dans l’histoire de l’art, cet artiste est une sorte de météore. Parce que sa carrière a duré très peu d’années et qu’il est mort très ( trop ) tôt à la guerre. Il a eu le temps de laisser à la postérité une œuvre impressionnante.

L’expo montre des sculptures et des dessins. Au début influencé par Rodin, puis par l’art primitif.
Des personnages, des bustes et des animaux très expressifs et en mouvement. D’une grande élégance même quand elles sont massives. Voir la danseuse de 1913, l’homme et son cheval, l’oiseau avalant un poisson.

Son œuvre sur papier est conséquente. Forcément pour un sculpteur qui est d’abord un dessinateur. Il a laissé de nombreux dessins qui montrent bien sa recherche et son évolution, les sculptures étant un aboutissement. Il en a laissé un nombre important dont plusieurs bronzes ont été fondu pour permettre une diffusion plus large. Et c’est tant mieux parce que certaines sont en plâtre et donc très fragiles. Sans parler des dessins. Ne pouvant être reproduits comme les sculptures, ils sont uniques et donc d’une valeur inestimable.

Ce qui se dégage de ses œuvres est inexplicable. Elles doivent avoir une âme, être habité par un esprit car elles irradient vraiment quelque chose.

Allez voir et vous rendre compte par vous-même.

Crayon à papier.

Henri Gaudier-Brzeska at the permanent galleries of the centre Pompidou. A sculptor dead very young but who had the time to let us a big collection of draws and sculptures very elegants and expressives.
Go and see the art of this wonderful artist.
Pencil.
　

Anselme Boix-Vive et-and Michel Macréau à la-at the Halle Saint Pierre

2009-07-27T23:53:00.005+02:00

Dans Paris, il existe un lieu insolite. Vous me direz, des lieux insolites, il en existe pleins dans Paris. Mais celui-là est particulier.

C’est une ancienne halle du genre pavillon Baltard, la Halle Saint-Pierre, reconvertie en lieu d’expositions. Et pas pour n’importe　quelle forme d’art. Pour l’art brut. Gaston Chaissac et le Facteur Cheval sont liés de près ou de loin à ce mouvement pour vous donner une idée.

Une halle, c’est un grand entrepôt haut de plafond qui servait de marché. Celui-là, à la structure en acier avec de grandes verrières, a été restauré et réaménagé. A l’intérieur se trouvent deux galeries d’exposition. Une au rez-de-chaussée et une autre sur une mezzanine à laquelle on accède par un escalier en colimaçon. C’est un endroit baigné de lumière grâce aux verrières ( excepté la galerie du bas, fermée et éclairée artificiellement ). Un coin cafet’ où l’on peut déguster des tartes maison, un auditorium et un coin librairie complètent l’ensemble. D’autres œuvres d’art sont exposées à côté de la cafet’.

Deux artistes sont exposés en ce moment. Anselme Boix-Vive et Michel Macréau.
Tout deux artistes peintres, ils ont eu chacun un parcours totalement différent.

Boix-Vive est venu à la peinture sur le tard et n’a peint que pendant très peu d’années. Mais ça lui a suffit pour développer non seulement son art mais aussi son manifeste pour la paix. Ses tableaux, tous sur papier, très colorés et expressifs, représentent surtout des personnages assez primitifs entourée de décors floraux ou des compositions florales uniquement ou encore des animaux dans la végétation. Il n’a jamais reçu de formation artistique et de ce fait a tout-à-fait le profil de l’artiste d’art brut. C’est un véritable autodidacte, tout comme Séraphine de Senlis dont je le trouve proche.
Ses œuvres sont très émouvantes. C’est peut-être la naïveté qu’elles portent et leur beauté pure qui les rendent ainsi et encore plus quand on sait ce qui l’a poussé à se lancer dans ce projet: voir se développer la paix dans le monde. Il était sans doute un homme foncièrement bon.
Mais hélas, les hommes sont sourds et aveugles.

Michel Macréau, contrairement à Boix-Vive, a reçu une formation atistique. Cela se voit dans ses œuvres. Particulièrement dans certains visages très élaborés. Il a commencé tôt et après sa formation, il a développé un art proche du mouvement Cobra. Ses toiles et dessins sont à la fois figuratifs et abstraits. Il a «　désappris　» le style classique pour inventer sa propre écriture artistique, se rapprochant de la spontanéité enfantine et du graffiti. Ses toiles sont souvent très en matière et laissent en même temps des espaces vides. Le support lui-même, sa couleur, sa matière, font partie intégrante de l’œuvre. Macréau jouait avec tout pour parvenir à ses fins.
Quand on voit ses œuvres, ça ressemble à du gribouillage ou du dessin d’enfant maladroit. Mais, bien sur, ça n’est pas aussi simple. D’abord parce que le dessin d’enfant n’est pas maladroit. C’est une genre à part entière. Et d’autre part, la façon de faire de Macréau était délibérée.
Il était un artiste libre.

Ils étaient deux artistes libres que vous pouvez voir encore pendant quelques semaines.

Stylo à bille couleur.

Anselme Boix-Vive and Michel Macréau at the Halle Saint-Pierre. Two artists with their own singular way. Both came from the rough art movement. Colour ballpen.
　
　
　
　
　
　

Kandinsky à/at Beaubourg

2009-07-26T18:51:00.003+02:00

Bienvenue chez Kandinsky, artiste foisonnant et sérieux, mais pas chiant.

Le centre Pompidou lui consacre une rétrospective jusqu’au 10 août.

C’est une rétrospective comme une autre. Longue, qui montre les œuvres dans leur ordre chronologique, intéressante, ni plus ni moins originale qu’une autre. Le centre Pompidou fait très bien son travail de transmission sur l’artiste. J’en sais un peu plus sur Kandinsky maintenant.

L’expo regroupe essentiellement des peintures à l’huile. Une salle est consacrée aux documents écrits entre 1912 et 1914, une autre aux dessins et aquarelles entre 1915 et 1921, une spéciale à « Punkt und Linie zu Fläche » ( point et ligne sur plan ), une de ses théories sur la peinture écrite alors qu’il était enseignant au Bauhaus, période essentielle de sa vie qui va profondément influencer sa peinture.

Car Kandinsky n’est pas seulement un artiste, c’est aussi un théoricien de l’art. Il a produit beaucoup d’écrits qu’il s’appliquera à mettre en pratique dans son art. C’est assez casse-gueule comme formule. D’autres s’y seraient cassés la figure. Mais pas lui au contraire. Au vu de tout ce qu’il a produit, on peut dire qu’il a réussi. Il a maîtrisé totalement son art.

C’est cette mise en parallèle de l’expo qui est le plus intéressant. Le spectateur peut suivre pas à pas l’évolution de sa peinture depuis ses premières œuvres encore très marquées par la tradition russe, puis par du figuratif très coloré qui commence à s’éloigner des détails pour aboutir à un abstrait où il ne reste que des éléments figuratifs évasifs, comme des montagnes, par exemple. Son art évolue avec ses écrits et aussi les rencontres qu’il fait. Franz Marc et le « Blaue Reiter », Paul Klee avec le Bauhaus, Arnold Schoenberg et la musique, le suprématisme, le constructivisme, le surréalisme... Ce qui abouti à une peinture plus géométrique avec une palette plus «　sobre　». Petit à petit, de grouillante, sa peinture devient plus simple, moins riche en couleurs mais plus équilibrée. Il a atteint sa plénitude comme le montre ses dernières œuvres.

J’ai préféré sa deuxième période figurative et sa première période «　semi - abstraite　». Le traitement des couleurs est proche de ma propre recherche, mettre divers tons et nuances sur une même surface quelque soit le sujet sans qu‘ils se neutralisent. Kandinsky donne dans l’abstrait, moi je reste figurative. Mais ce n’est pas le plus important. Peu importe le sujet mais ce qu’on en fait.
Des tableaux de la fin de sa vie, peuplés de petits «　êtres biologiques　» m’attirent aussi. On dirait qu’il est allé faire un petit tour chez Miro. Ça n’est pas pour me déplaire parce que j’aime Miro.

Par contre, ses œuvres sont difficiles à reproduire, trop longues à dessiner tellement elles sont «　peuplées　». Du coup, j’ai fait peu de dessins au crayon à papier et crayon de couleurs. Ceux qui me paraissaient les moins longs à faire. C’est que hélas, mon temps est limité.

Mais bon. Il reste un peu de temps pour y aller. Alors profitez-en.
　
The Kandinsky exhibition at Beaubourg was very interesting. I would say as usual because the centre Pompidou do the work very well. But not much draws this time. The Kandinsky paints are very long to draw; there are so much things in his paints. Very populated. I chose the more simple to do, the less long. Pencil, colourpencil.

Quelques images, some pictures.

Une citation d’André Breton: Kandinsky a inventé « une certaine ponctuation qui ne fait qu’un du ciel constellé, de la page de musique et des œufs de tous les nids »

An André Breton quote: Kandinsky has created « a certain punctuation which do just one of the starry sky, of the music page and of the eggs of all the nests ».
　
　
　

Calder, les années parisiennes/the parisian years

2009-07-23T23:37:00.005+02:00

Bienvenue dans l’univers ludique de Calder, l’artiste qui s’amusait en créant.

La grande expo du centre Pompidou consacrée à ses années parisiennes vient de se terminer. Je dois dire que ça m’a laissé une forte impression.

L’art de Calder est divers. Il a exploré plusieurs styles.

L’expo se composait donc de dessins, croquis pris sur le vif vraiment formidables et vivants, aquarelles, coupures de presse, jouets, sculptures en fil de fer, quelques peintures, des mobiles…Et son fameux cirque dont l’ensemble était reconstitué et accompagné du film des spectacles qu’il faisait avec.

Calder fabriquait tout avec des matériaux de récup’. Il a inventé le recyclage avant tout le monde. Ça devait être la caverne d’Ali Baba son atelier. Les personnages de son cirque sont tous personnalisés. Aucun ne se ressemble. Le spectateur l’imagine très bien en train de s’amuser à créer ses petits personnages ( comme tout le reste de ce qu’il a créé d’ailleurs ). Il jouait. Et encore plus quand il présentait son spectacle. Un moment de joie pure et enfantine.

Dans ses sculptures en fil de fer, il montrait sa virtuosité de dessinateur. Objets, personnages, animaux, certains accrochés en mobiles qui permettaient de voir leur ombre portée et d’apprécier encore mieux le travail de l’artiste. Ses têtes-portraits, très caricaturales et amusantes, étaient remarquablement ressemblantes. Souvent précédées de dessins très linéaires.

Calder a eu une période abstraite inspirée de Mondrian. Des peintures minimalistes très peu colorées. Cela a été le catalyseur principal pour la création de ses stabiles. Elles ont donc eu une grande importance pour lui. Mais je les trouve anecdotiques dans sa production. Le plus important est que ça l’a fait avancer.

Les sculptures qui en ont découlé sont, elles, passionnantes. De vrais miracles de légèreté construites avec des bouts de tout ce qu’on veut. Boules, tiges de fer, socles de bois…Très spatiales.

D’autres sculptures flirtaient avec le surréalisme. Ainsi qu’une série de dessins d’inspiration très astronomique. Calder avait dû endosser une combinaison spatiale empruntée chez les surréalistes pour aller croquer les étoiles sur le vif. Je ne vois pas d’autre explication.

La deuxième partie de l’expo se trouvait dans le musée et regroupait entre autres des sculptures d’animaux en bouts de tôles et quelques exemplaires de jouets qu’il avait conçu pour vivre. De la sculpture pour enfant pleine d’humour, de grâce, de gaîté et de couleurs.

Quel bonheur ce fut de me promener dans ce joyeux bric-à-brac.

L’expo se terminait par la présentation du film de son spectacle de cirque ( aussi présenté au début ). Il fallait voir les regards émerveillés et amusés des enfants mais aussi des adultes présents.

Je crois que ce jour-là, comme tout les visiteurs, je suis retombée en enfance.
　
The Calder’s parisian years ( 1926-1933 ) exhibition at the Centre Beaubourg was a very play moment. Calder was an artist who played all the time. Toys for children, his famous circus ( I could see a film about ), paintings, draws, sculptures, wire portraits… I lapsed into one’s second childhood.
Sketches with pencil, colourpencil.

Utrillo/Valadon à la pinacothèque de Paris/at the Paris Pinacotheque

2009-07-20T21:49:00.004+02:00

Utrillo/Valadon à la Pinacothèque de Paris aurai pu être casse-gueule. Confronter la mère et le fils, surtout quand on sait que la mère a fini par dépasser le fils qui se noyait dans l’alcool et pas le contraire, fallait oser. A la Pinacothèque, ils ont peur de rien, et ça , c’est bien. Continuez de prendre des risques, nous, on aime.

L’expo est un mélange, mais pas trop, des œuvres des deux protagonistes. Trop mélangées, le spectateur ne s’y serait pas retrouvé. Pas assez, la comparaison fut impossible. Or, c’est-ce qui est le plus important quand on confronte deux artistes fussent-ils mère et fils, ou encore maître et élève.

Les organisateurs ont trouvé le bon dosage qui permet de voir, de comprendre.
La plus grande part est consacrée à Valadon. Elle commence et termine l’expo. Elle s’est effacée au moment où Utrillo épanouit son art durant sa «période blanche»　et se «　révèle　» quand son fils se perd complètement dans la boisson ( à cette époque, il était surnommé «　Litrillo　», c’est tout dire ).

Les œuvres d’Utrillo qui sont montrées se composent presque exclusivement de paysages urbains peints à l‘huile, les rues de Montmartre de l’époque avec quelques silhouettes humaines ou totalement vides de tout habitant. Toujours le même genre de tableau jusqu’à l’épuisement. Ces dernières œuvres, celles de la «　décadence　», sont très peu montrées.

Valadon, c’est autre chose. Ses sujets sont très variés. Des portraits, paysages, natures mortes, nus. Des dessins de modèles ( ceux admirés par Degas ) et beaucoup de peintures à l’huile.

C’est elle que je préfère. Pour la variété des sujets, sa riche palette et la façon dont elle agençait les couleurs. Pour moi, qui cherche aussi à enrichir ma peinture, c’est une excellente leçon. Et puis il y a des gens dans ses tableaux. Des portraits, en tête, en pied, de la vie quoi.

Utrillo, c’est un peu mort, comme si on marchait dans une ville fantôme. A force de répéter le même tableau, et la boisson aidant, il n’a pas su se renouveler. C’est comme si il avait «　laissé la place　» à sa mère qui s’est engouffrée dans cette porte ouverte.
Mes dessins sont tous d’après les Valadon. Utrillo, avec ses lignes droites, ses perspectives, ses points de fuites et ses angles de toutes sortes, j’y arrive pas.

Je dois être fâchée avec la géométrie.

Utrillo/Valadon at the Paris Pinacotheque. Utrillo with urban landscapes and Valadon with several subjects ( portraits, naked, still lives, landscapes ). It’s Valadon I prefer. Her art was so various.
My sketches are made with just blue ballpen.

Petits portraits, ça continue/little portraits, it continues

2009-06-09T23:07:00.003+02:00

Et j'en ai encore pleins. Je vous l'ai dit, je crois.

I have many more. I think that I've said you that.

Ca va lentement/It goes slowly

2009-06-09T22:40:00.004+02:00

Mais ça va sûrement. Il y a évolution dans le traitement de la couleur. Ces petits travaux à l'huile sur toile et isorel ( 30X40 cm ) sont une source d'entrainement précieux pour faire avancer le travail avec les croquis aussi.

But it goes surely. There is an evolution in the colour treatment. These little oil works on canvas and isorel ( 30x40 cm ) are very precious for evoluate the work and the sketches too.

Fini les vacances !

2009-04-28T21:41:00.002+02:00

Ciel ! Déjà un mois que j'ai posté le précedent article. Mais bon, il y a eu les vacances. Et j'en ai bien profité. Avec quelques dessins, trop peu, que je vous montrerai bientôt j'espère. En attendant, je continue dans la frimousse, la tronche, la bouille. Toujours au stylo à bille et crayon multicouleur sur papier blanc 13x15 cm.

Oops ! Already one month that I posted my last blog. But, well, I was in holidays and I enjoyed it. With some draws that I will show you very soon I hope. Now, I continue to show the coloured portraits. Always with ballpen and multicolour pencil on white paper 13X15 cm.

Le monde merveilleux de l'enfance/the marvellous child world

2009-03-30T21:56:00.003+02:00

Les enfants et l'univers des contes de fées et des histoires. Passez-leur commande et laissez-les faire. Ces dessins sont d'une qualité équivalente aux illustrations de livres pour enfants. Réalisés au pastel sec et feutre Posca pour un décor de fête.

Children and world of stories and fairy tales. Place them an order and let them do. These drawings have an equal quality to the children books illustrations. Realized with dry pastels and acrylic ink felt tip pen for a feast's decoration.

Trombinoscope

2009-03-27T22:45:00.005+01:00

Vous inquiétez pas, j'en ai encore tout plein en réserve. De tout, de tout les genres, de toutes les races, de tout les âges et c'est en couleur. Et j'ai pas tout pris en photo. Y en a encore à venir. Mais j'aime faire durer le plaisir. Pas tout à la fois. Crayons multicouleurs, stylo à bille.

Question: y-a-t-il un équivalent anglais au mot trombinoscope ?

I don't know how to translate the title in english.

Don't worry, I have many other pictures in reserve. All kinds, all races, all ages, and it's in colours. I have not taken all in photo. I have many others. But not all at the time. I like to do last the pleasure. Multicolour pencils, ballpen.

Travaux d'enfant/children artwork

2009-03-20T23:42:00.004+01:00

Un autre p'tit post avant le we. Le travail créatif des enfants à l'aise dans tout les sujets et sur tout les supports. Gouache, pastel et acrylique sur papier et sur vieux draps d'hôpital.

Another post before the week end. The children's creative works who feel comfortable with all the subjects and on all the bases. tempera, pastel and acrylic on paper and old hospital sheet.

le travail continu/work is continuing

2009-03-20T23:18:00.003+01:00

Encore une série de petits visages. Au fait, je ne vous ai pas donné les dimensions: 13x15cm. Bon. C'est mon travail qui avance. Je ne saurai dire si c'est bon ou mauvais. C'est trop tôt. Crayon multicouleur et stylo à bille.

Another little faces series. By the way, I didn't give you the size: 13x15cm. Well, my work is continuing. I don't know if this is good or bad. It's too early. Multicolour pencil, ballpen.

My job/mon travail

2009-03-19T21:59:00.004+01:00

http://www.slide.com/r/YIl_zySV4j_rdsi-1fd1l8lj3vYCbhUW?cy=ms

Comme la plupart des artistes, je ne vis pas de mon art. J'ai un autre métier. Vous pouvez en avoir de plus amples renseignements en lisant la rubrique "qui êtes-vous" en haut à droite du blog. Ce qui m'amène à faire beaucoup d'arts plastique avec des enfants. C'est très enrichissant aussi bien pour eux que pour moi. J'aime leur spontanéité, leur liberté. Ils ont un vrai savoir-faire et ne sont pas encore corrompus par nos idées d'adultes. Les oeuvres sont réalisées essentiellement à la gouache.

As most of artists, i don't win money with my art. I have another job. You can have more precisions in the "who you are" column up and right of the blog. I make very much art with children. It's very enriching as well for them than for me. I like their spontaneity, their freedom. They have a real know-how and are not yet corrupted by our adult views. Artworks are realised essentially with tempera.

Prises de têtes/Heads shootings

2009-03-18T23:01:00.003+01:00

Un peu comme quand on prend des photos, c'est du pris sur le vif. Sauf que c'est un peu plus long. Le coloriage se faisant plus tard. Stylo à bille, crayon multicouleur.

It is like when we take photos, it's live. Except that it is a little more long. Colouring is made later. Ballpen, multicolour pencil.

Coloriages, colourings

2009-03-17T22:15:00.003+01:00

Voici 10 premiers dessins préfigurants peut-être une série à venir de peintures on ne peut plus colorées. Réalisés au crayon multicouleurs, ce sont d'abord des études, avec toutes leurs maladresses et leurs défauts. Mais le plus important est que ces petits dessins font avancer mon travail. Il n'en reste pas moins qu'il sont d'abord un but en soi. Et un plaisir, oh oui !

Here are 10 draws prefiguring a maybe coming series pretty colored, I think. Realised with multicoloures pencils, they are studies at first, with all their clumsinesses and flaws. But the most important is that these little draws do evoluate my work. the fact remains that they are also an aim in itself. And a pleasure, oh yes !

Avant-après/before-after

2009-03-16T23:12:00.002+01:00

Depuis le temps que je fait de croquis de gens partout où je peux, et toujours avec les mêmes médiums ( stylo, crayon... ), je n'avais pas encore essayé le coloriage. Voilà qui est chose faite avec ce dessin. Stylo à bille et crayon multicouleur ( avec plusieurs couleurs sur une seule mine-très ludique ).

There is a long time now that I draw people everywhere I can, and always with the same materials ( pen, pencil... ), I didn't yet try the colouring. Now this is done with this draw. Ballpen and multicolour pencil ( with several colours on a single lead-very play ).

Paysages variés/varied landscapes

2009-03-16T22:47:00.003+01:00

Some portraits/faces made in several places, from photos... It is my favourite subject. There are so much things to explore in a face. It's a varied landscape.

Pencil, ballpen, felt-tip pen.

Quelques portraits et visages faits dans divers endroits ou d'après photos... Le portrait est mon sujet favori. Il y a tant de choses à explorer dans un visage. C'est un paysage varié.

Crayon à papier, stylo à bille, stylo feutre.

Une journée à/a day in Beaubourg

2009-03-14T13:27:00.003+01:00

Qu’est-ce qu’on fait à Beaubourg quand il n’y a pas d’expo temporaire ( enfin, si, il y en a mais ça m‘ intéressait moins ) ? Eh bien on va visiter la galerie permanente. S’il ne s’y trouve pas de rétrospective, on peut y voir des accrochages temporaires du fond du musée. Ils sont en général plus courts, deux ou trois salles, et permettent de s’y attarder pour voir les œuvres plus à fond.

Cette fois-ci, on pouvait admirer le travail graphique d’Asger Jörn, le joyeux bric à brac de la donation Daniel Cordier « Les désordres du plaisir » , et Le Vide, une rétrospective assez reposante pour les yeux…

Asger Jorn faisait parti du mouvement Cobra, né dans les années 50. Son travail s’inspire de l’art primitif, l’art scandinave ancien, le surréalisme et, je trouve, de l’art enfantin. On peut voir des œuvres sur papier à l’encre, au crayon, à l’aquarelle, à l’acrylique, à la craie grasse et quelques collages.
C’était quelqu’un qui savait dessiner, dans le sens classique s’entend, comme le montre ce dessin d’une ceinture entourant une règle. De ses influences et de sa formation, il a du, comme cela arrive souvent, s’y sentir à l’étroit. Il va donc s’appliquer à s’en détourner, à « désapprendre » ce qu’il avait appris pour créer sa propre écriture. Cela donne un art singulier qui n’appartient qu’à son auteur. C’est-ce qui fait son intérêt.
On peut voir aussi un documentaire de 26 minutes avec des témoignages d’artistes qui l’ont connu dont Pierre Alechinski qui raconte une histoire montrant l’humour de Jorn. Il avait apporté en France une toile de grande dimension, à ses frais et y mettant ses derniers sous. La personne potentiellement acheteuse se désiste au motif que l’œuvre est inachevée, qu‘il y « manque quelque chose » . Voilà Jorn bien embêté et sans moyens de ramener l’œuvre chez lui. Une autre personne est alors pressentie pour l’acheter. Mais ayant eu vent de l’argument de refus de l’autre, il pose la condition qu’elle soit achevée, selon ses propres termes. Jorn accepte et demande qu’on le laisse seul pour l’achèvement, une fois payé. De retour chez lui, l’acheteur s’aperçoit que Jorn a « achevé » l’œuvre en l’aspergeant à grands coups de pots de peinture. Le voici donc avec une énorme croûte sans valeur. Quelques années plus tard, il cherche à la revendre et, évidemment, ne trouve pas d’acheteur. C’est Jorn lui-même qui la rachète pour une bouchée de pain. Il la reconstitue chez lui et elle figure aujourd’hui dans le musée qui lui est consacré. Alechinski en rigole encore.
Les gens devraient faire attention à ce qu’ils disent…

La deuxième expo est consacrée à la donation Daniel Cordier, l’un des fondateur et donateur du centre Beaubourg, « Les désordres du Plaisir ».
Daniel Cordier était un collectionneur et marchand d’art qui n’achetait pas seulement pour l’intérêt artistique, esthétique ou la valeur de l’objet, mais pour l’effet, le plaisir qu’il lui procurait. Il collectionnait donc des objets qui pouvaient n’avoir aucun rapport avec l’art, du moins à première vue.
On pouvait voir des œuvres de Michaux, Chaissac, Dubuffet, Hantaï, Mapplethorpe, Bernard Réquichot et ses dessins à spirales, Viseux et ses mâchoires de cheval, Dado, Loïc Lucas et ses mouches en carton, Michel Nedjar et ses masques, Jean-Luc Parent et sa « bibliothèque idéale » , des objets usuels et d’art primitifs de provenances diverses comme ces margelles de puit peuls usées par les cordes et érigées à la verticale, des coraux, ossements, champignons d’arbres, fanons de baleines. Il n’y manque que les bestioles empaillées et l’on pourrait se croire dans un cabinet de curiosités. C’est l’effet que ça m’a fait, d’ailleurs.
On peut penser qu’exposer des objets qui n’ont aucun rapports entre eux est sans intérêt mais pas du tout, au contraire. D’abord, on déambule dans l’expo avec un réel plaisir. Donc le but recherché est atteint. Ensuite, des objets qui n’en ont pas l’air peuvent porter un intérêt artistique qui ne se voit pas au premier abord. Prenez les margelles de puit peuls. Ces objets qui, normalement, sont installés à l’horizontale deviennent, une fois posés à la verticale, et avec leur usure, de véritables sculptures abstraites.
L’art n’est pas seulement le fait de l’homme; il est déjà dans la nature.

Et nous arrivons à la troisième expo, Le vide, une rétrospective, un morceau de choix.
Pour expliquer la chose, il s’agit d’une revue, disons symbolique, des différentes expositions consacrées au vide de plusieurs artistes depuis Yves Klein. Chaque artiste a représenté sa vision du vide dans l’art et tous ont montré des lieux complètement vides. Et je confirme, ça l’était !!! En plus de ça, ils y croyaient, ces artistes.
Bien. Je ne suis fermée à rien ( elle est pas voulue, celle-là ) et je me suis appliquée à lire les explications…que je me suis empressée d’oublier, histoire de me vider la tête, sans doute.
Seulement, deux ou trois petites choses me taraudaient. Des questions ABSOLUMENT essentielles.
« Bonjour M. et Mme les gardiens »
« Bonjour Mme la Visiteuse »
« J’aimerai savoir, ça me semble important: les photos sont-elles autorisées dans l’expo ? Peut-on faire des croquis des œuvres exposées ? A-t-on le droit de jouer à cache-cache dans les salles ? »
Le gardien de me répondre le plus sérieusement du monde ( en apparence ): « Vous pouvez prendre des photos sans flash, nous ne voyons pas d’inconvénient à ce que vous dessiniez, avec qui voulez-vous jouer à cache-cache ? Avec cette petite fille qui trottine dans l‘allée ? » en désignant une mouflette croquignolette d’environ 1 an ½ qui concentrait toute son énergie à mettre un pied devant l‘autre. Perso, j’aurai pas été contre, mais son papa, sans doute que si.
De toute façon, je ne suis pas allé plus loin. Les gens, je les sentais pas trop. C’est dommage, on aurai sans doute bien rigolé. Au début, je pensais jouer aux glissades sur le parquet, mais justement, y glissait pô. Et pis on a du déjà leur faire le coup de la tache sur le mur.
De cette, heu, expo, j’ai retenu quelques petites choses ( quand même ). La gardienne a un charmant sourire, le gardien a un joli chapeau, la petite fille a eu bien raison d’opérer un repli stratégique vers le plein. Le gros catalogue coûte environ 40 euros et est REMPLI de belles photos.
Enfin, tout ceci ne fait que confirmer une chose que je pressentait déjà: ma nature a horreur du vide.
Et les croquis ? Je les ai tous raté. Vous me croyez, j’espère ?

Pour finir cette belle journée, je suis allé faire un tour à l’étage pour voir quelques Matisse et je suis tombé sur une petite expo sur le blanc dans l’art, l‘exact contraire du vide. Avec de vrais dessins faits par des artistes qui n’étaient pas des rigolos, eux.

Stylo à bille, crayon à papier et crayon de couleur.

Beaubourg is not only an excellent place for temporary exhibitions. There is also a very interesting muséum about modern and contemporary art. It is regularly organised some temporary private viewing. This time, it was about Asger Jorn graphic artworks, The Daniel Cordier* Donations, « Les désordres du plaisir », and an intrigant exhibition about the void in the art ( personnaly, it let me quite doubtful )…
It was a pleasure to fill the void of my sketch book pages.

Ball pen, pencil, colour pencil.

*see the link in french; there is not english link about him.

D'autres têtes à l'huile

2009-02-15T21:19:00.002+01:00

En doublette cette fois-ci. Chaque version à cependant sa vie propre. Huile sur toile 25X30 cm.

Two versions of each subject. Each version has its own life. Oil on canvas 25X30 cm.

Etudes de têtes à l'huile

2009-02-15T20:59:00.003+01:00

Une autre série d'études de têtes peintes à l'huile d'après des croquis faits dans le train, au travail et ailleurs.

Another oil paint heads series from sketches made in the train, at work, and elsewhere.

Etudes de têtes 2

2009-02-15T20:38:00.004+01:00

De face et de dos aussi. Pour étudier les chevelures et coiffures. Pourquoi de dos ? Mais parce qu'il faut étudier le sujet sous tout les angles. Aquarelle et gouache sur papier 300 grammes 24X32 cm.

From the front and from the back too. For study the hairs and hairstyles. Why from the back ? Because it is necessary to study the subject from all the sides. Watercolour and gouache on 24X32 cm 300 grammes paper.

Etudes de têtes 1

2009-02-15T11:14:00.004+01:00

Etudes, c'est bien le mot. Un artiste est quelqu'un qui étudie toute sa vie. Aquarelles et gouaches sur papier 300 grammes 24X32 cm.

Studies, it is the good word. An artist studies all along his life. Watecolours and gouaches on 300 grammes paper 24X32 cm.

Un vieux portrait/an old portrait

2009-02-10T22:01:00.003+01:00

J'avais peint cette huile sur toile ( 15 figures ) pour mon frère. Je ne l'avais pas vu depuis au moins dix ans. Autant vous dire que j'ai une opinion beaucoup plus critique après toutes ces années. Je ne la peindrai pas du tout avec la même palette maintenant. Et surtout sans le noir.
J'ai banni cette couleur de ma palette depuis des années maintenant ( du moins en peinture à l'huile ). Je trouve que ma peinture ne s'en porte que mieux.

I painted this oil on canvas ( 50X65 cm ) for my brother. I didn't see it for ten years at least. I just say that I have a more critical opinion after all these years. I couldn't paint it with the same colours. And absolutely not black. I banished this colour of my palette for many years now ( at least for the oilpaint ). I think that my paint is better well.

Bord de mer/seascape

2009-02-10T21:54:00.003+01:00

Puisque je me met un peu à la gouache, je continu. J'espère qu'à la longue, ce genre d'exercice s'avérera utile.

As I do a little bit gouache, I continue. I hope that this kind of exercise will be useful.

Lui/him

2009-02-06T20:51:00.006+01:00

Mon professeur de peinture me disait souvent:"la gouache, ça apprend à peindre". Je devrai toujours songer à cette maxime car il avait sans doute raison. Je devrai plus souvent en faire aussi. C'est simple d'utilisation, facilement transportable et parfaitement adapté à la peinture en extérieur.

Le sujet de cette série à la gouache et au stylo à bille est très important pour moi. Il m'a aidé à m'ouvir. Il m'a démontré une chose à laquelle je ne croyais plus. Mais, pour finir, il a laissé un trou béant dans mon coeur...

My paint teacher often said to me:"gouache learn to paint". I should always think to this maxim because he was certainly right. I also should often practice gouache. It is simple to use, simple to transport, perfectly adapted for for outside painting.

The subject of this gouache and ballpen series is very important to me. He helped me to open myself. He demonstrated to me a thing that I didn't believe. But, at the end, he just let a gaping hole in my heart...

Picasso/Manet, interdiction de dessiner/forbidden to draw

2009-01-26T10:00:00.004+01:00

Il reste quelques jours pour visiter l'exposition Picasso/Manet au musée d'Orsay. Ne vous munissez pas de votre carnet de croquis car vous risquez de vous voir interdire de dessiner comme ça a été le cas pour moi. Malgré mes protestations, je n'ai pas pu continuer de dessiner sur cette expo. Quelque soient les raisons, elles sont inacceptables, c'est une atteinte à ma liberté de dessiner.

It rest few days for visit the Picasso/Manet exhibition at the Orsay's museum. Don't take your sketch book because you couldn't draw, it is forbidden. I couldn't continue to draw in spite of my protest. Whatever the reasons, they are unacceptable. It is an attack on my freedom of draw.

Picasso et les maîtres épisode 2: le Grand palais

2009-01-20T23:18:00.005+01:00

Journée pas facile.
Dehors, un panneau indiquait 4h d’attente. Finalement ça n’a duré que…4h30. Faut jamais croire ce que disent les panneaux. Mais c’est pas mal quand même.
J’ai passé le temps en faisant des croquis des naïades à poil de la fontaine et en ayant froid aux pieds.
Comme les surveillants faisaient rentrer en priorité les porteurs de billets coupe-file ou carte sésame, ça rouspétait ferme ( qu’ils sont indisciplinés ces visiteurs ). Mais bon, ils avaient payé plus cher, donc.
Remarquez, c’était pas ennuyeux. Y avait de la musique et y pleuvait pas. J’ai même eu le temps de manger mon casse-croute.
Un peu plus et on se serait cru à un concert des Rolling Stones.

Mais c’était Picasso et les Maîtres au grand Palais. Eh non, c’était pas un concert rock.

Donc, après les femmes d’Alger, le grand Palais est le gros morceau des trois expos consacrées à Picasso et ses maîtres.
Faut-il dire que l’expo était très encombrée de visiteurs et que c’était très gênant pour la visite et le dessin d’autant plus qu’il y avait des salles assez petites et des visites de groupes pour couronner le tout ? Mais le parcours en thématiques était bien organisé et bien expliqué. L’aspect pédagogique a été bien travaillé. Le visiteur repart en ayant appris un peu plus sur Picasso et les autres.
Mais journée pas facile quand même.

L’expo regroupe des peintures à l’huile, dessins, gravures, sculptures, de Picasso, Rembrandt, Vélasquez, Zurbaran, Manet, Gauguin, Van Gogh, Goya, Poussin, Cézanne, Greco, Murillo, Douanier Rousseau, Ribera, Melendes, Le Nain, Chardin, Ingres, Degas, Chranach. J’espère que j’ai oublié personne.
Je regrette cependant qu’il n’y ai pas plus de sculptures et aucunes de Picasso. Ni de céramiques. Dommage.

Tout les thèmes sont abordés. Le portrait et l’autoportrait, les variations sur de grandes compositions, le nu, le modèle, la nature morte, les couleurs ( le noir et bien sur le rose et le bleu ), les personnages en costumes. Il ne manque que le paysage. Ça m’étonne, il n’en a donc pas fait, lui qui a tout exploré ?

Franchement, et malgré toutes les critiques que j’ai pu lire, c’est une belle expo. Avoir réussi le tour de force de réunir toutes ces œuvres dont beaucoup viennent de très loin et qu’on ne reverra sûrement pas de sitôt, eh ben chapeau. J’ai été en pamoison devant les Rembrandt, subjuguée pas Vélasquez, admirative d’Ingres, fascinée pas Goya, émue par Murillo et son petit mendiant ( celui-là est au Louvre donc je le reverrai ). Et que dire des autres ? Les qualificatifs me manquent.

Mon avis sur Picasso est dans la continuité de ce que j’ai dit sur son travail avec Delacroix. Il fait son travail d’artiste. Il utilise ses bases ( dont on peut voir des études de jeunesse - Picasso à 14 ans déjà virtuose ) et cherche à créer , à faire avancer l‘Art: « je peins contre les tableaux qui comptent pour moi, mais aussi avec ce qui manque à ce musée ( imaginaire). Faites bien attention ! C’est tout aussi important. Il faut faire ce qui n’y est pas, ce qui n’a jamais été fait ».

Et il l’a fait. Il a accompli la mission que lui avait donné son père qui, selon la légende, voyant le génie de son fils, lui aurait remis ses couleurs et ses pinceaux, lui signifiant ainsi son renoncement et lui confiant la mission d’artiste. Il l’a fait et a transmis à son tour cette mission aux artistes venant après lui.

La logique voudrai que la prochaine expo sur Picasso soit consacrée à ses descendants, à ceux qu’il a influencé. On pourrai l’appeler « Picasso et ses héritiers » ou « l’héritage de Picasso ».
On peut en rêver, non ?

Fin de l’épisode et retour à la maison assez tard. Perturbations sur la ligne RER D. Trains supprimés. Parce qu’un malheureux s’était flanqué sous un train.
Journée pas facile décidément.

Que ne ferait-on pas pour l’art ?

Quelques citations:
« Qu’est-ce qu’au fond un peintre ? C’est un collectionneur qui veut se constituer une collection en faisant lui-même les tableaux qu’il aime chez les autres. C’est comme ça que je commence et puis ça devient autre chose. »
« Pour moi, il n’y a pas de passé ni d’avenir en art. Si une œuvre d’art ne peut vivre toujours dans le présent, il est inutile de s’y attarder. »
« Quand j’avait leur âge, je dessinai comme Raphaël. Mais il m’a fallu toute une vie pour apprendre à dessiner comme un enfant. »

Picasso and the Masters at the Grand Palais is the biggest exhibition of the year. I’ve already seen Picasso and Delacroix, The algiers women. A very long wait before enter, but it was absolutely fantastic. So much great painters reunited in an exceptional exhibition. The artworks come from many countries and it is certainly the only time that I saw them. Hurry up because it rests just few days before the end.
Picasso show us how he continued his artist work with his masters: Delacroix, Manet, Ingres, Murillo, Rembrandt, Vélasquez, Cézanne, etc. How he takes the artwork and makes other thing with it. Thing totally new. He introduced modernity in art. He hands his heritage to his descendants artists.
I hope that the next exhibition about Picasso will be about his influence on the artists after him.
Draws with colourpencil, pen.

Dans les files d'attentes/In the lines

2009-01-20T22:44:00.005+01:00

Dans les files d'attentes longues, très longues et qui durent longtemps, très longtemps, faut toujours trouver le moyens de s'occuper. Certains font des mots flèchés, d'autres mangent et donnent leurs miettes aux pigeons, d'autres encore écoutent le musicien jouer plus ou moins juste de sa clarinette. Et moi, que croyez-vous que je fait ?

Stylo à bille et crayon de couleur.

In the long, very long lines which last a long, very long time, it is necessary to find any occupations. Some do crosswords, others eat and give the crumbs to the pigeons, others yet listen the musician plays to his clarinet pretty bad. And me, guess what I do ?

ballpen and colourpencil.

Van Dyck portraits

2009-01-17T10:35:00.003+01:00

Le musée Jacquemard-André expose une collection de portraits de Van Dyck. C’est une rétrospective de son travail de portraitiste.

Des peintures à l’huile et une salle consacrée aux dessins ( lavis, pierre noire, plume, encre brune, craie,) composent cet ensemble.

L’expo est passionnante, mais plutôt desservie par la petitesse des salles où l’on se gène. Le musée Jacquemard-André, aussi joli soit-il, n’est pas franchement idéal pour une expo comme ça d‘autant plus qu‘il y avait du monde. Par contre, les indications des tableaux sont très précises. Il y est tout indiqué: le titre, la date, la provenance, la technique et jusqu’aux dimensions. C’est assez rare pour être souligné.

L’expo montre l’évolution du peintre qui introduit, sans en avoir l’air, une dimension psychologique au portrait. Ce n’est plus une commande figée. Le portrait se met à raconter l’histoire, l’état d’âme de la personne, noble ou non.
Les tableaux sont très travaillés. Van Dyck s’attachant à tout les détails, vestimentaires, décoratifs, architecturaux, paysage d’arrière-plan, ainsi qu’à l’attitude du modèle, la position des mains, etc.

Van Dyck a eu assez de finesse pour faire avaler sa manière aux grands de son époque puisqu’il les représentait dans une situation avantageuse. Il faut dire qu’il s’était fait la main sur lui-même et ses connaissances. Il a révolutionné l’art du portrait.

Moi, j’aime les leçons de peinture. Avec Van Dyck, j’ai été servie. Ce gars-là, c’était un virtuose.

The Jacquemard-André museum presents an exhibition about Van Dyck portraits. I could see oil paints and draws. This very talented and precocious artist introduced a psychologic dimension in his portrait. But they are also very worked ans precised. I just regret that the muséums rooms was little. It is difficult to visit and draw in these conditions. Draws with ballpen and pencil.

Emil Nolde au Grand Palais.

2009-01-15T01:04:00.005+01:00

Émil Nolde était « tombé sous le charme » du discours d’Hitler ( on se demande bien pourquoi ) et s’était fait avoir puisque ça s’est retourné contre lui.

Les Nazis lui avaient interdit d’exercer la peinture ( il avait été catalogué de peintre dégénéré avec d’autres ). Il a pourtant continué de peindre durant cette période ce qu’il a appelé ses « images non peintes », plus de 1300 aquarelles.
Le Grand Palais en présentes quelques-unes dans une des nombreuses salles de la rétrospective qui est consacrée à Émil Nolde.

À travers ses innombrables peintures à l’huile et quelques gravures et aquarelles, le visiteur traverse ses diverses influences, particulièrement celle des impressionnistes, dont il va s’attacher à se défaire pour développer son propre univers. Un univers nourris des contes et légendes du Nord, de religion, des paysages et de la vie rurale de sa région du Schleswig-Holstein. Aussi de ses voyages et de sa passion pour l’art primitif. Enfin des paysages marins et tableaux de personnages bien plantés, scènes de cabarets et de danse.

En me promenant et dessinant parmi ces œuvres, j’ai été touché par son univers riche en couleurs, par l’expressivité de ses personnages et ses compositions, par la tendresse portée à ces gens dont il montre la souffrance palpable ( 2 Russes-1915 ) ou la dignité d’humain ( portraits d’indigènes et de guerriers des colonies allemandes ). Moi qui ne suis pas adepte des religions, sa vision de la vie du christ dont il fit un polyptique m’a ému. Particulièrement l’enfantement de Marie qui tient son petit, pauvre chose encore violette du manque d’oxygène. Ça, un fils de Dieu ? Voilà qui a du choquer ses contemporains. J’aime aussi Jésus et les docteurs de la loi, amusés et attendris par l’aplomb du garçonnet. Nolde donne ainsi de la religion une vision plus humaine, plus à la hauteur des gens. Que je les préfère aux pompeuses composition saint-sulpiciennes.

L’Œuvre d’Emil Nolde porte sa difficulté et sa volonté à devenir artiste ( issu du monde Paysan, il était sans doute destiné à reprendre l’exploitation familiale ), les problèmes du quotidien, les confrontations avec ses contemporains, notamment Max Lieberman ( traduction automatique ). Enfin les risque qu’il a pris, durant le nazisme pour continuer à peindre alors que la Gestapo exerçait sur lui une surveillance régulière. Si les Nazis l’avaient surpris en plein travail, s’en était fini de lui et de son art. Aussi je lui pardonne d’avoir cédé aux sirènes d’Hitler parce qu’il a, à son niveau, lutté pour la liberté.

L’expo se termine par des paysages marins. Nolde est mort en 56. Mais, après 1913, un seul tableau de 1948 est montré. Il parait que la production de ses dernières années est de moindre qualité. Une fois de plus, des spécialistes décident à la place des visiteurs. Pourquoi ne nous laisse-t-on pas nous faire notre propre opinion ?

The Emil Nolde exhibition at the Grand palais of Paris was absolutely fantastic. I like his coulours, his vision of peoples, his seascapes. He had a particular style that he continue to develope all along his life even when the nazis forbidden him to paint. Pen, pencil, colourpencil, felt tip pen.
Some pictures.

Kurozawa au/at the Petit palais

2009-01-08T01:46:00.004+01:00

Ce n’est pas la première fois que des cinéastes, chanteurs, acteurs s’essaient à la peinture. On sait, entre autre, que Patti Smith, David Bowie, Iggy Pop, Jean Marais, Serge Gainsbourg s’y sont essayés. Et il y en a beaucoup d’autres.

Le cas de Akira Kurosawa est particulier: il a fait des peintures pour illustrer ses story boards.

Le Petit Palais en expose une belle collection .

On peut voir des dessins à l’aquarelle, encre, pastel, feutres, crayon, stylobille, collage.
Les œuvres sont réparties par thèmes, un pour chaque film représenté. Il y a donc des dessins pour Kagemusha, Ran, Dreams, Madadayo, et Umi Wa Miteita, le dernier, qui n’a pas été tourné par Kurosawa puisqu’il est mort avant.

Les dessins, tous colorés et expressifs, s’attachent à donner le plus d’indication possibles sur les personnages, les atmosphères, les décors et les couleurs, les ambiances générales, et y compris les accessoires. Kurosawa s’est donc fait là décorateur, costumier, accessoiriste…S’il avait pu, il aurai aussi fait bruiteur, sans doute.

Ses dessins sont de véritables petites œuvres d’art imprégnées d’art japonais ( normal ) et aussi de références occidentales à Van Gogh, Chagall, Rouault.

Ils vont bien au-delà de simples illustrations et se suffisent à eux-mêmes. Ce sont proprement de petits chefs-d’œuvres.

Maintenant, j’ai bien envi d’aller voir Dreams et Madadayo. Parce que Ran et les Sept Samouraïs, je connais déjà.

Pour la lecture, je vous conseille le Livre de Ran aux éditions Cahiers du Cinéma/Seuil, textes de Bertrand Raison ( ISBN 2-86642-026-4 ). Mon père me l’avait offert après que j’ai eu vu le film. C’est un très bel ouvrage rempli de photos et de quelques dessins de Kurosawa et de son décorateur Yoshiro Muraki. Le livre datant de 1985, vous le trouverez plus sûrement dans une bibliothèque.

Did you know that Akira Kurosawa was an excellent drawer ? The Petit Palais Museum of Paris show us many of his draws in a beautiful exhibition. His artworks illustrate some of his movies: Kagemusha, Ran, Dreams, Madadayo, and Umi Wa Miteita. Very coloured and expressive works that I tried to draw with my ballpen, pencil, colourpencil.

Pollock et le chamanisme/and the shamanism

2009-01-06T00:29:00.006+01:00

De Jackson Pollock, je connaissais le dripping, mais absolument pas ses recherches picturales autour du chamanisme. La Pinacothèque de Paris, qui décidément fait de chouettes expos, nous propose d’en savoir un peu plus sur cet aspect de l’art de Pollock.

Donc, sachez chers lecteurs que Pollock n’est pas venu au dripping par hasard. Cette forme d’expression pictural est l’aboutissement d’un lent et passionnant processus de recherche à travers l’étude du chamanisme.

L’expo nous emmène dans un parcours fait de couleurs, de sons et d’images, d’œuvres d’arts, d’objets rituels, de mots. La scénographie, bien pensée, nous immerge dans une atmosphère de mystère où la nature, l’animal, le cosmos tiennent une place importante. Les tableaux de Pollock ( peintures à l’huile, dessins, encres, gravures ) sont confrontés à des œuvres d’André Masson et des objets rituels, surtout d’origine amérindienne ( masques, amulettes, hochets, cuillers…). Des pictogrammes lumineux sont projetés à divers endroits de l’expo. Les murs sont peints de couleurs différentes par salles en commençant par le rouge, ce qui nous met tout de suite dans le bain.

Le parcours reprend, par thèmes, toutes les étapes de l’initiation de l’aspirant chamane et les œuvres de Pollock qui en sont directement inspirées. La lecture, indispensable, permet de le suivre pas-à-pas jusqu’à l’apparition du dripping, manière simplifiée d’ « inscrire directement sur la toile les forces vitales de l’univers » ( cf la petite brochure de la Pinacothèque ).

Je dois dire qu’on est plongé dans un autre monde, que nous, occidentaux modernes, avons oublié. On déambule avec le sentiment d’être nous-même l’initié. La petite musique obsédante aidant, on en sort avec un sentiment de sérénité et d’avoir retrouvé nos origines universelles.

Pour illustrer mon propos, je vous ai mis des dessins d’objets rituels et deux de Pollock. Comme toute œuvre abstraite, il est impossible pour moi de les retranscrire en respectant totalement le propos de l’artiste, d‘autant plus que le dripping est d'abord de la gestuelle et de l'improvisation. Mes compétences s’arrêtent au figuratif.

Jackson Pollock and the Shamanism at The Pinacotheque of Paris ( listen the audio report ) is a very intersting exhibition about the relations between Pollock art and shamanism.
His dripping technic is the result of a long process of research by the study of shamanism.
I’ve seen Pollock artworks but also André Masson artworks who was a reference for Pollock and many ritual native indian pièces.
I show essentially indian artworks draws and just two Pollock artworks. Abstract art is always difficult for me to draw because I can’t totally respect the artist way. My compétences are stopped at the figurative art. Pencil, ballpen and felt tip pen.

Rouault, la collection Idemitsu/the Idemitsu collection

2009-01-03T00:37:00.006+01:00

Rouault, je l’avais rencontré il y a longtemps, en cours d’histoire de l’art et de peinture. Ses clowns et ses gens de cirque m’avaient déjà interpellé. L’exposition de la Pinacothèque a été l’occasion de m’y replonger et de découvrir d’autres facettes de cet artiste assez méconnu en France.

Ça ne se bousculait pas à l’exposition. Aussi, je pouvais circuler facilement et dessiner tout à mon aise. Les murs sont peints pour , je suppose, donner un point de repère aux différents thèmes. La présentation me semble claire et compréhensible. Le visiteur peut s’y retrouver facilement, entre les huiles, les aquarelles, les pastels, les fusains, les gouaches, les encres. L’expo comprend 70 œuvres ce qui ne la rend pas trop longue.

Rouault a été l’élève de Gustave moreau. Son enseignement a été déterminant. Il a surtout appris à ses élèves à être libre. Moreau n’hésitait pas à se remettre en cause devant ses élèves même comme le raconte cette anecdote. Un jour, il dit à Matisse: « Vous n’allez pas simplifier la peinture à ce point-là, la réduire à ça. La peinture n’existerai plus ». Puis il revint et lui dit: « Ne m’écoutez pas. Ce que vous faites est plus important que tout ce que je vous dis. Je ne suis qu’un professeur, je ne comprend rien ». Être capable de montrer autant de modestie, c’est être un grand professeur. J’aurais aimé connaître cet homme.

Rouault a connu des gens très intéressants dont beaucoup furent ses amis. Outre Moreau, Matisse, Marquet, Léon Bloy, Jacques et Raïssa Maritain, André Suarès, André Malraux, Ambroise Vollard.

Sa peinture, inclassable, est un mélange de styles. On y trouve du fauvisme, de l’expressionnisme, du symbolisme, parfois proche de l’abstrait. Selon le médium utilisé, sa peinture peut être très légère ou fortement empâté ( avec des épaisseurs de matières d’au moins deux centimètres ) sans pour autant être lourde. Les thèmes sont religieux ( il était chrétien convaincu et converti à l’âge adulte ), avec des têtes de christs, des calvaires ( dont un formidable christ aux outrages traité dans les bruns ce qui est atypique chez lui car, en général, sa peinture est très colorée ), forains ( clowns, gens de cirque ), près du peuple ( prostituées, petites gens ). Sa peinture des gens est violente. On sent la misère. Les clowns ne rient pas. Les prostitués sont laides, marquées et pourtant sensuelles. Ses personnages ont parfois l’air de pantins. Il n’aimait pas l’injustice et la dénonçait dans ses peintures, à sa façon.
C’est-ce côté-là de son œuvre que je préfère. Parce qu’il est proche des gens. Même violente, on y sent de la tendresse. J’avais, autrefois, fait quelques études de ses clowns, dont vous pouvez voir un essai ici. En général, je n’aime pas les peintures de clowns ( je les trouve pleurnichards ). Mais Rouault est une exception.

Grâce à la liberté que lui avait laissé Moreau, il a réussi à développer son propre monde pictural, ce qui n’est jamais une mince affaire.

Il a été capable de se remettre en cause et de prendre des décisions radicales comme le raconte cette histoire ( descendre au chapitre « les 315 toiles brûlées » ). C’est vrai que les héritiers Vollard s’étaient mal comportés mais fichtre, j’aurai pas osé.

Les oeuvres présentées proviennent du Japon , de la collection Idemitsu. Les japonais adorent Rouault. Ils perçoivent chez lui des similarités avec la peinture ukiyo-e ( Rouault connaissait certainement l’art japonais, mais je ne sais pas si ça l’avait particulièrement influencé ) . Il faut dire qu’ils ont une façon différente de regarder un tableau. Ils rentrent complètement dedans dans une observation méditative qui peut durer très longtemps. C’est très bien expliqué dans le DVD de l’expo que je vous conseille vivement de vous procurer.

Quand je dessine, j’ai aussi cette impression de rentrer plus en avant dans l’œuvre, de faire corps avec elle. C’est aussi une forme de méditation finalement.
Et un réel plaisir à faire.

When I was a student, I « encountered » Georges Rouault and I made somme studies of his clowns.
Rouault is a bad known artist. The Paris Pinacotheque try to learn more to us with this exhibition of 70 artworks from the Idemitsu collection.
Gustave Moreau was his art teacher and he knew some important persons like Matisse, Marquet, Léon Bloy, Jacques and Raïssa Maritain, Andre Suares, André Malraux, Ambroise Vollard.
I like his paints about circus peoples and prostitutes. He was very religious and painted many artworks about the Christ.
The japanese people like very much his art because they find any similarities with the ukiyo-e painting. They watch an artwork in a kind of méditation. They literally come into. I think when I draw, I am in a kind of meditation too.
It was a real pleasure for me to draw his clowns and prostitutes with my pen and ballpen.

Le site de la fondation Georges Rouault/the Georges Rouault foundation site.

Van Gogh/Monticelli

2008-12-29T01:02:00.003+01:00

Eh bien ça y est. Je l’ai vu cette expo tant espérée. Grâce à un heureux concours de circonstance; une visite chez mon frère Charles. N’habitant pas trop loin de Marseille et à la faveur d'une petite virée, je l’ai convaincu de m’y emmener et nous y sommes allés avec son copain Mika.
Ces deux-là ne sont pas particulièrement amateurs de peinture. Ils m’ont fait plaisir. Pour éviter de trop faire durer la visite, je n’ai pas fait de dessins. Il va donc vous falloir imaginer, avec l’aide de quelques liens tout de même.

J’avais peur d’un temps d’attente trop long, mais en fait, pas du tout. Ça a été plutôt vite. Et le plus beau de la bagarre, c’est qu’on est rentré…à l’œil ! Si si. Je m’explique. Au moment de payer les tickets, je sort mon billet de banque: « 3 entrées plein tarif, SVP », « pas de réduction » demande la caissière, « si, moi je suis chômeur » dit Mika, « et moi aussi » renchérit Charles ( c‘est en partie vrai ), « et vous » me demande la caissière, « moi ? Ben je suis fonc… » « si si, elle est chômeuse, elle aussi » « mais pas du t… », « bon, tenez » fit la petite caissière en me tendant 3 entrées, « mais qu’est-ce que je fait de ça ?» dis-je, interdite, en désignant mon billet de banque, « tu le gardes » répondit Charles en m’attrapant par le col, « je n’y comprend rien » fis-je, « moi, j’ai compris. Aller, on avance ». Authentique.
Un truc comme ça ne m’était jamais arrivé. Dans tout les musées que j’ai fait, il faut montrer patte blanche. Vous comprenez donc mon émoi. Selon Charles, ils doivent avoir un quota de tickets gratuits à distribuer. Mais attention, hein; ne le criez pas sur les toits.

L’exposition est installée dans le centre de La Vieille Charité ( voir photos ), sis dans le quartier du Panier ( diaporama ). La part belle est faite aux toiles de Monticelli ( 35 ), l‘enfant du pays. 18 toiles de Van Gogh ( seulement ? J‘aurai aimé voir un Van Gogh pour un Monticelli ) viennent soutenir la comparaison. Quelques Diaz de la Peña et Delacroix complètent l’exposition. Tout ça tient dans trois salles assez petites. un peu court tout de même. On se gène un peu aux entournures. Une lumière un peu vive gène un chouia le vision des œuvres.

On sent que les surveillants n’ont pas l’habitude de recevoir des toiles aussi célèbres que Van Gogh et surtout surveiller autant de monde. On les sent fébriles et sur le qui-vive. Ils se précipitent sur le moindre visiteur pris en flagrant-délit de photographie. Et si on a le malheur ne serait-ce que d’approcher le doigt du tableau sans le toucher, on se fait fermement remettre à sa place. Soyez prudents. Bon. Faudrai qu’ils se calment un peu là, quand même. Les visiteurs ne viennent pas pour faire des trous dans les toiles.

Les thèmes abordés tournent autour du portrait, de la nature morte, du paysage.
Le style de Monticelli est très empâté ce qui rend ses tableaux parfois un rien lourds ( on peut les comparer aux Diaz de la Peña, dont il me semble assez proche ). Il est plus peintre que dessinateur. Sa palette est majoritairement dans les bruns avec quelques couleurs vives. Il a un sens indéniable de la couleur, comme chez Delacroix. Il sait très bien se servir de la texture et de la couleur du support ( son autoportrait de profil sur bois ). Par moments, sa peinture devient presque abstraite, où l’on distingue à peine la silhouette d’un arbre, quasi noyé dans la matière ( Monet était arrivé à un état similaire avec ses Nymphéas ). Il utilise beaucoup le blanc ce qui donne un teint blafard et maladif à ses portraits ( Madame Pascale ).

Le style de Van Gogh est plus lumineux et très coloré. Le dessin est plus précis et la matière plus légère. Van Gogh est d’abord dessinateur avant d’être peintre. Avec le temps, les noirs, les blancs et les bruns ont finis par disparaître de sa palette au profit de teintes lumineuses.
Vincent cherchait des gens qui, de son point de vue, savaient utiliser la lumière, la matière et la couleur comme Monticelli et Delacroix, qui n’hésitaient pas à faire se côtoyer des jaunes et des bleus, des rouges et des verts.

Van Gogh se sentait d’une certaine manière l’héritier de Monticelli: "Je suis sûr que je continue son œuvre, ici, comme si j'étais son fils ou son frère, […] reprenant la même cause, continuant la même œuvre, vivant la même vie, mourant la même mort."

Il a trouvé matière à évoluer avec Monticelli.

Et moi, j’ai trouvé matière à découverte. Monticelli mérite le détour, à mon avis. Il mérite aussi une rétrospective plus importante.

En sortant de l’exposition qui fut assez vite terminée, nous sommes allés nous restaurer dans un petit salon de thé juste en face de la Vieille Charité. Les tartes aux pommes et aux figues maisons y sont délicieuses. Je vous le conseille vivement.

Je tient ici à remercier mon frère Charles et son ami Mika pour leur aimable « participation » à ce post.
Sans eux, ça aurait manqué de sel.

No draws this time for Van Gogh/Monticelli exhibition at La Vieille Charité ( see somme photos ) in Marseille in the Panier quarter ( pics ). I was with my brother and his friend. They dont particularly like the too much longer exhibitions. I didn’t want they wait for me.
Van Gogh ( pictures ) was in admiration for Monticelli ( pics ). He never met him but he knew very well his painting. It influenced his art. Vincent said that he was like a son or a brother of Monticelli; he continued his work.
Also was shown some Narcisse Diaz de la Peña ( pics ) and Delacroix ( pics ) paintings.
It was very interesting to see those artists reunited in the same place.
The exhibition was a little short ( only three rooms ) and there was not enough Van Gogh painting ( 18 and 35 Monticelli artworks ).
Monticelli was a very interesting artist and he deserve a bigger exhibition. I hope.

Pierre Boulez:oeuvres fragments/The Louvre invites Pierre Boulez - Oeuvre: Fragment

2008-12-26T23:11:00.009+01:00

Pierre Boulez: œuvres fragments est une exposition sur les rapports de certaines œuvres d’art avec la musique de ce compositeur. Bien. Laissons le site du musée du Louvre expliquer ça plus en détails; il le fera beaucoup mieux que moi.

Parce que pour trouver des rapports entre musique et peinture ou dessin, faut drôlement être fortiche. Au premier abord, c’est pas évident. Et après…ben non plus.

En gros, c’est une réunion d’œuvres d’art et de partition musicales avec , en fond sonore, la musique de Pierre Boulez, du genre sériel, pour amateurs avertis.

En ce qui concerne les œuvres d’art, y en a de tout les genres, classiques et abstraits, répartis dans deux salles. Bien sur beaucoup de lecture si l’on veut essayer de comprendre la présence de tout ça.

Mais si on y arrive pas, on peut se contenter d’admirer les œuvres qui sont très belles.

J’ai aimé particulièrement la petite aquarelle de Klee qui figure sur l’affiche. J’ai également découvert de sublimes dessins de nus de Brancusi de toute beauté, d’un style très épuré. Une merveille de simplicité.

Il y avait aussi quelques aquarelles qui figuraient déjà dans l’exposition Aquarelle, atelier et plein-air. Tant qu’a faire, puisqu’on les avait sorti des réserves, autant qu’elles servent encore. Pour le bonheur du visiteur.

Bon, ben, voilà, voilà. Maintenant il ne vous reste plus qu’à écouter un bon disque. Au moins, vous comprendrez quel est le rapport entre les trompes d’eustache et la musique.

An exhibition about artworks and Pierre Boulez music. If you understand it, say to me. But the artworks are just marvellous. Pencil.

Abilgaard

2008-12-25T21:11:00.008+01:00

Allez donc trouver une bio d’Abilgaard sur la toile. En français, y a pas ou pas assez. C’est Wikipedia anglais qui s’y colle cette fois-ci avec traduction automatique. Faudra vous en contenter.

Le Louvre lui consacre une rétrospective. Enfin, si on peut appeler ça une rétrospective parce qu’elle tient dans une seule salle. Ce n’est pas que ce peintre suédois ait été paresseux, simplement la majeure partie de son œuvre a cramé dans l’incendie du château de Christianborg en 1794.

Vu comme ça, le visiteur aurai pu avoir le sentiment de trop peu ou qu’il aurai manqué quelque chose à sa visite. Mais en fait, l’expo est suffisamment complète et nous renseigne sur tout les aspects de la vie artistique d’Abilgaard.

Les thèmes explorés tournent autour de son travail en tant que peintre du Roi de Suède avec portraits, sujets antiques ( l’artiste du roi ). Puis nous montre des œuvres inspirées de la littérature ( l’artiste dans sa bibliothèque ). Soulignent son engagement politique en faveur de la révolution ( période révolutionnaire ) avec une petite série d‘étonnants tableaux narrant les aventures d‘un jeune homme dans un pays imaginaire peuplé de surréalistes hommes-arbres; les potuans. Enfin nous montre les derniers travaux de l’artiste après sa disgrâce auprès du roi ( sans doute à cause de ses idées politiques ) dans des tableaux de sujets antiques ( le repli vers l’intimité ).

Au milieu de la salle, dans un petit espace, sont également exposés quelques dessin et gravures qui ont du échapper au désastre. Certains sont presque caricaturaux et soulignent, outre le talent de dessinateur d’Abilgaard, ses idéaux politiques. Sans doute ces dessins ont du, un jour, tomber sous les yeux de son monarque.

Quelques meubles finissent de compléter cette intéressante petite expo. Abilgaard, même après sa disgrace, a continué à travailler pour le roi, même de loin, et plus pour les nobles pour qui il a réalisé quelques travaux de décoration et de création de meubles.

Je ne suis pas fan du style académique que je trouve pompeux et par trop théâtral, mais je trouve qu’Abilgaard maîtrisait bien le dessin et qu’il connaissait son métier. Il a su se servir de ses capacités pour créer ce qu’il avait à dire. Certains de ses dessins sont férocement drôles. Il avait son caractère et rien à envier à la plupart des peintres de son époque.

Abilgaard était un artiste, tout simplement.

The Louvre muséum présents a retrospective Abilgaard. He was a talented artist. Cultured and politically involved/committed. It was an occasion for me to study some bodies. With just my ballpen.

Picasso et les Maîtres épisode 1: Picasso/Delacroix, les femmes d'Alger

2008-12-21T23:14:00.005+01:00

Attention mesdames et messieurs, c’est parti pour la superproduction de l’année: Picasso et les maîtres ( roulements de tambours ).

Là, on a pas lésiné sur les moyens; 3 lieux d’exposition d’un coup et pas des moindres: Le Louvre, le musée d’Orsay et le Grand Palais.

Commençons par le Louvre qui nous propose les variations de Picasso autours des Femmes d’Alger de Delacroix.

Dans un coin du musée, est installé le Delacroix, entouré par une quinzaine d’œuvres de Picasso. Des études à l’encre sur papier et des peintures à l’huile dont ce portrait de Jacqueline ( il y en a eu plusieurs ).
Où l’on voit la façon dont Picasso se servait de l’œuvre de Delacroix pour développer sa propre vision du tableau, sa propre écriture et ainsi chambouler les codes classiques de la peinture.
Avant d’être un novateur, il se rappelle de qui il descend, affirme sa filiation et porte le plus grand respect à ses pairs même si ça ne semble pas le cas, du moins aux yeux de certains.
Même encore maintenant, il y a des gens qui ont du mal à encaisser son art et l‘art abstrait en général. Y compris chez des amateurs avertis. Une surveillante très sympathique me regardant essayer de dessiner le portrait de Jacqueline me dit qu’il était mieux que l’original: « vous l’avez arrangé » dit-elle. « Mais Madame, répondis-je, on ne peut pas me comparer à un génie ». « Un génie, lui ? », « absolument » affirmai-je.
Excusez-moi d’être aussi subjective.

Picasso aurait dit que finalement il n’était qu’une sorte d’escroc et que sa peinture n’était qu’une vaste tromperie ( je résume et traduit ) dans une lettre/confession à Giovanni Papini ( lisez bien l'article en entier ): « Je suis seulement un amuseur public qui a compris son temps et a épuisé le mieux qu’il a pu l’imbécillité , la vanité, la cupidité de ses contemporains. ». Dont acte. Mais quand je vois la somme des œuvres qu’il a créé et qui sont éparpillées dans le monde entier, le nombre de styles qu’il a traversé, je ne le crois pas une minute. S’il s’imagine que je vais croire à ces sornettes, il se fourre le doigt dans l’œil jusqu’à l’épaule. On ne produit pas une quantité aussi faramineuse de travail uniquement pour berner son monde.

L’expo en elle-même est très courte et j’ai eu tout le temps de regarder et dessiner. Mon frère, avec qui je parle d'art de temps en temps, pense que Picasso est d’abord un dessinateur, plus qu’un peintre. Je suis d’accord avec lui. C’est aussi ce en quoi il est le descendant de Delacroix qui était aussi avant tout un dessinateur. Comme Picasso, Delacroix s’est servi de son héritage artistique pour créer sa peinture romantique.

Picasso, lui est l’un de ceux qui a ouvert en grand les portes de la modernité en art.

C’est maintenant nous qui lui sommes redevables.

Big exhibition actually in Paris, Picasso and his masters. Big means, three exhibition places at the same time: The Louvre museum, the Orsay's museum and the Grand palais. It's a kind of blockbuster. THE exhibition of the year.

I begin by the Louvre with Picasso/Delacroix, the Algiers' women. Very short but good exhib'. Draws with pencil.

Mantegna

2008-12-19T23:13:00.006+01:00

Le Musée du Louvre présente: une rétrospective Mantegna.
Ça fait un rien pompeux comme début mais Mantegna est une sorte de monstre. Il fut l’un des plus grands artistes de la renaissance.

L’expo montre, outre ses œuvres, d’autres artistes: ceux qui l’ont précédé et influencé, ses contemporains et ceux qui vinrent après lui. Donatello, Bellini, Vinci, Rembrandt, Le Corrège et quelques autres qui, ajoutés aux œuvres de Mantegna, sont venus étoffer une expo sans doute trop courte sans eux.

Les artistes de cette époque étant polyvalents la plupart du temps, on peut y voir des dessins, des peintures, des estampes, des manuscrits, des sculptures, des objets d’art, des photographies de fresques italiennes. Matériaux et techniques: huile ( supposée ), encre, plume, mine de plomb, tempera, gravure…
Les sujets sont religieux la plupart du temps avec des portraits et des sujets antiques.

Les œuvres sont évidemment sublimes, même si les sujets ne sont pas ceux que j’affectionne le plus, excepté le portrait. Et le spectateur découvre ( ou pas ) d’autres artistes dont la présence est compréhensible dès que l’on ne se contente pas uniquement de regarder bien que ce soit l’essentiel ( si vous venez à une expo pour lire, vous avez pas tout compris ).

L’autre aspect, c’est la leçon de dessin. S’entraîner sur du Mantegna, c’est très profitable.
Pour ma part, je me suis attachée à ne dessiner QUE d’après ses œuvres. Sinon, ç’aurait été trop long, la visite. Et puis il avait le chic pour peindre de ces trognes. C’est-ce qui m’a le plus intéressé. J’ai laissé les superbes Saint Sébastien et autres charmantes petites saintes Vierges pour me faire un trombinoscope pas piqué des vers. Il devait avoir sous la main un contingent de modèles à la tronche burinée et édentés, que du bonheur.

Parmi les « artistes invités », je me suis arrêtée devant la sublime Isabelle d’Este de Vinci et une merveilleuse petite gravure de Rembrandt. Rien que ça vous rendra heureux d’être venu si vous n’aimez pas Mantegna.

J’aurai aimé que soit précisé quel médium était utilisé pour les tableaux. Parce que « bois » ou « toile » , ça n’est pas suffisant pour différencier l’huile de la tempera quand on y connaît rien.

Comme je l’ai dit plus haut, l’expo montre plusieurs artistes qui la rendent beaucoup plus longue. Trop, sans doute, pour certain visiteur que la fatigue a fini par gagner et que j’ai surpris en train de piquer du nez sur une chaise.
Je tient à le remercier de m’avoir servi de modèle pour ce petit dessin…

Mantegna is a kind of monster. One of the biggest artist of the Renaissance. He was an excellent drawer for the faces. The big exhibition at Le Louvre museum is very interesting because of the Mantegna’s artworks and the présence of other artists artworks from his era. Several draws with pencil. The last draw is a sketch of a sleeping visitor. Maybe the exhibition was a little too long…

Figures du corps, une leçon d'anatomie aux Beaux-Arts

2008-12-10T22:43:00.001+01:00

Qu’est-ce que l’anatomie a à voir avec l’art ? A quoi ça sert de l’étudier en arts-plastiques ?
L’anatomie est une chose indispensable pour un carabin. Mais pour un artiste ?
L’étude de la morphologie ( étude de la forme externe des êtres vivants), çà, je comprend. C’est même fort utile pour appréhender la position du corps dans l’espace.

Ce sont des questions que l’on peut se poser, en allant voir l’exposition Figures du corps, une leçon d’anatomie aux beaux-arts. Elle raconte l’histoire de l’anatomie dans l’art depuis Léonard de Vinci et jusqu’à l’apparition de la photographie et de la chronophotographie, ancêtre du cinématographe.

On peut y voir des dessins, peintures, estampes, sculptures, moulages, ouvrages scientifiques, photographies et chronophotographies de gens comme Houdon, Bouchardon, Vinci, Dürer, Vitruve Vésale, Marey, Londe…
Les œuvres représentent des écorchés, des corps disséqués, des vues d’ateliers avec modèle posant, des travaux de concours d’académie…
Le tout au crayon, crayon de couleur, mine d’argent, pastel, peinture à l’huile, épreuves argentiques…
Les thèmes autour de l’anatomie vont de l’intérieur du corps aux décompositions du mouvement ( avec la photo ), en passant par les dessins de pathologies mentales ou physiques ( croquis de malade en pleine crise d’hystérie ), les répertoires raciaux ( avec des moulages de visages de diverses ethnies ), des moulages d’animaux…

Et là, je comprend. À la Renaissance, la photo n’existait pas ( bien que , je crois, l’on connaissait déjà le principe de la chambre noire ). Les seuls moyens de représentation des anatomies humaine et animale étaient le dessin , la sculpture, la gravure. Les artistes étaient donc très utiles aux scientifiques.
Des siècles plus tard, la photo a libéré les artistes de cette contrainte et leur a même servi. Par exemple, les clichés de décomposition du mouvement ont certainement inspiré Duchamp pour son « Nu descendant un escalier ».

J'ai eu l'impression de me retrouver dans un immense cabinet de curiosité, amplifié par le lieu. L'école des Beaux-Arts est un lieu ancien qui se prète tout-à-fait à ce genre d'exposition. Vieux, solennel et pesant.

Les œuvres dessinées sont de toute beauté. Très précises, bien entendu, mais l’artiste leur apporte un caractère, les enjolive, les « érotise », même, nous dit la page explicative du site des Beaux-arts.
Ce sont de véritables œuvres d’art et pas seulement de simples représentations.
L’ensemble de ce qui est montré est passionnant. Parfois spectaculaire, comme les dessins. Parfois dérangeants, comme les répertoires raciaux quand on sait à quoi ça a servi, notamment à justifier en parti le colonialisme, le racisme étatisé. Ou émouvant comme ce portrait de malade dont le croquis est montré ici.
Même les ouvrages anciens, auxquels je ne comprend rien, ont quelque chose de touchant. Déjà dans la tentative qu’avaient les hommes de l’époque d’essayer de se comprendre et dans la minutie qu’ils y mettaient pour les rendre attrayants.

Je trouve que les éditeurs de livres de médecine et de chirurgie devraient s’inspirer de ces œuvres anciennes pour que leurs ouvrages soient moins rébarbatifs ( pour le peu que j’en ai vu ).

Bon, je doute qu’un jour je soit amené à réaliser des dessins de ce type et, soyons francs, c’est pas mon truc. Mais rien que pour les merveilleux petits dessins de Vinci, ça vaut le déplacement.

Some sketches of a very interesting exhibition about the art and the anatomy at the Beaux-Arts school in Paris. With Vinci, Dürer, Vitruve… Pencil and ballpen.